Департамент культуры Оренбургской области — новости

Настоящие шекспировские страсти будут кипеть сегодня в МХТ имени Чехова. После почти полувекового перерыва на московской сцене открываются гастроли Королевского Шекспировского театра — того самого, что с 1879 года существует на родине великого английского драматурга — в Стратфорде-на-Эйвоне, являя собой гордость Великобритании. В российскую столицу известная всему миру труппа привезла только один спектакль, зато прелюбопытнейший, — шекспировского «Юлия Цезаря», сделанного в прямом смысле с «африканским акцентом». Это стало абсолютно ясно уже на пресс-конференции, состоявшейся накануне открытия гастролей, — перед журналистами предстали лучшие темнокожие актеры Британии, которые, как вскоре выяснилось, и играют в «Юлии Цезаре».

В главной роли — Джеффри Киссун, в роли Кассия — Сирилл Нри, в других ролях — Джозеф Майделл, Аджоа Андо, Рэй Фирон, Паттерсон Джозеф. Нет сомнений, что их природный темперамент добавит жару «горячей» пьесе английского классика. Но дело не только в этом. Именно такие артисты понадобились режиссеру спектакля — новому худруку Королевского Шекспировского театра Грегори Дорану для воплощения своего замысла, согласно которому сюжет великого «политического триллера» Шекспира на сей раз перенесен в современную Африку.

«Идея перенести действие «Юлия Цезаря» в Африку возникла после того, как мне в руки попал томик Шекспира, принадлежавший Нельсону Манделе с его пометками, — рассказал предысторию постановки Грегори Доран. — Затем я узнал, что именно эту пьесу Шекспира чаще всего ставят в Африке. А один мой друг из ЮАР вообще заверил, что «Юлий Цезарь» — самая «африканская пьеса» Шекспира».

Когда замысел уже практически созрел, грянула «арабская весна». «И тогда я принял окончательное решение, — продолжал режиссер. — Следя за прошлогодними событиями, понял: главный вопрос не в том, когда свергнут Каддафи. А в том, что случится после его свержения. Взглянем на политическую жизнь. Лидеры захватывают власть на волне популярности и становятся самовластны. Потом чувствуют, что теряют контроль. И приходит новый лидер, еще жестче. Часто — военный диктатор. Иногда дело идет к гражданской войне. Шекспир прав: эта история повторится вновь и вновь, в еще неведомых миру странах».

Так Грегори Доран пояснил, почему местом действия своего спектакля сделал «жаркий» континент. Однако, перенеся сюжет «Юлия Цезаря» в современную Африку, режиссер тем не менее далек от мысли осовременивать пьесу, написанную 400 лет назад. С ним солидарен и художник спектакля Майкл Вейл. К примеру, он не стал одевать героев в пиджаки, а оставил им традиционную африканскую одежду, которая, по его словам, созвучна той, что носили в Древнем Риме. Создатели «Юлия Цезаря» — 2012 утверждают, что никаких внешних ухищрений, дабы приблизить шекспировский шедевр к нашим дням, вовсе не требуется. Они единодушны во мнении, что темы, затронутые в пьесе, — власть, предательство, борьба за свободу, — так же актуальны сегодня, как и в ХVI веке.

Премьера спектакля состоялась совсем недавно — 28 мая нынешнего года, и произвела настоящий фурор. Британская пресса высоко оценила нового «Юлия Цезаря». Летом этого года он был показан на Всемирном Шекспировском фестивале. Его увидели на Лондонской Олимпиаде, на международном театральном фестивале в Эдинбурге, во многих других городах Соединенного Королевства. И вот теперь по приглашению Международного Чеховского фестиваля «Юлий Цезарь» прибыл в Москву, где его гастроли продлятся до 17 ноября и пройдут при поддержке Министерства культуры РФ и содействии Британского Совета.
Продолжить чтение статьи: Королевский Шекспировский театр привез в Москву «Юлия Цезаря»

Главный приз на Международном фестивале независимого кино (Naples International Film Festival) в понедельник в Неаполе получил российский режиссер Инал Шерипов. Премии Братьев Люмьер он удостоился за короткометражную ленту «Белый фильм». Как отметили члены жюри, 8,5 минут размышлений без слов о том, «почему у большинства людей нет ничего хорошего в жизни кроме памяти и воспоминаний», заставили их говорить часами. Сам режиссер в интервью признался, что залог успеха в том, чтобы «работать в области души». «С одной стороны есть коммерческое кино, которое даже хорошие идеи опошляет до примитивной предсказуемости. С другой — арт-хаус, который больше фокусируется на чувстве ради чувства, оторванном от человека.

Тогда как чувства должны быть не целью, а проводниками», — сказал режиссер, напомнив фразу Сент-Экзюпери из «Маленького принца»: «Есть лишь одна проблема — одна-единственная в мире — вернуть людям духовные заботы». Шерипов называет свои фильмы «шахматным кино». По определению режиссера, который в 1988 году стал чемпионом России по шахматам, это многоуровневое повествование: общая идея понятна абсолютно всем, а уже степень более глубокого проникновения зависит от духовной и интеллектуальной подготовки каждого в отдельности. «Парадокс современного искусства в том, что одно и тоже произведение может показаться кому-то одним, а кому-то совсем другим. В искусстве древних такого нет, потому что в нем в символах зашифрована конкретная информация, как в шахматах. Древние на шахматы проецировали модели мира», — поделился своей теорией Шерипов.

Неаполитанская награда — далеко не первая в копилке режиссера, который родился в Грозном, учился в Москве (у Владимира Наумова) и США, а сейчас в основном живет в Бельгии. Его работы завоевывали призы на кинофестивалях в Лос-Анджелесе, Сан-Диего, Чикаго, Нью-Йорке, Сан-Франциско, Сиэтле, Джакарте. Фильм «В последний раз», посвященный проблематике соприкосновения двух культур — мусульманской и христианской, получил приз зрительских симпатий на последнем Нью-йоркском кинофестивале. Когда-то Шерипов начинал как композитор на «Союзмультфильме», затем работал на Центральной студии документального фильма (ЦСДФ) и в кино пришел именно из документалистики. Сейчас он затрудняется точно определить жанр своего «шахматного кино».

В России он входит в правление Союза кинематографистов, а на родине на протяжении трех лет возглавлял студию «Чеченфильм», на которую возлагалась задача создания чеченской кинематографии, подготовки режиссеров. Однако из- за разногласий с местными властями Шерипов оставил Грозный. Незавершенным остался проект «Чехов». Режиссер не исключает, что когда-нибудь снимет фильм о Чечне, но нескоро. А пока он почувствовал себя в Неаполе как дома, благодаря лентам итальянских неореалистов, на которых вырос.
Продолжить чтение статьи: Режиссер Инал Шерипов получил премию на Международном фестивале кино в Неаполе

«Дядя Ваня» из Вахтанговского театра триумфально завершил в минувшую субботу русский сезон в Лондоне. Шесть вечеров подряд в самом престижном театральном квартале британской столицы — Вест-Энде — сыграли чеховскую пьесу в постановке Римаса Туминаса, неизменно собирая полный зал, цветы, аплодисменты и звезды. С помощью последних британские критики выражают свое отношение к спектаклю. Так вот, «Дядя Ваня» дважды удостоился заветной «пятерки», что для русского драматического театра, учитывая трудности перевода, задача не из легких. Но вахтанговцы с честью справились с ней и вышли настоящими победителями. Высший балл — пять звезды — выставила московским артистам влиятельная газета «Гардиан», которая не посчитала непатриотичным раскритиковать премьеру «Дяди Вани», состоявшуюся только что в местном театре «Водевиль», отдав пальму первенства русскому аналогу.

«Едва ли возможен больший контраст, чем между бесстрастным «Дядей Ваней», только что поставленным в театре «Водевиль», и этим блестящим спектаклем, импортированным Театром Вахтагова из Москвы, — пишет крупнейший британский критик Майкл Биллингтон. — Британские версии Чехова склонны предлагать вариации на основе реалистической системы Станиславского. Великолепная постановка Римаса Туминаса принадлежит совершенно иной традиции: традиции российского режиссера Мейерхольда, который развил систему актерства, основанную на элементах спорта, акробатики и шутовском гротеске. Туминас сохраняет каждое слово текста Чехова. Но все выглядит или звучит не так, как мы ожидаем».

Еще одну «пятерку» вахтанговский «Дядя Ваня» получил от ведущего театрального веб-сайта Великобритании. «Четверку» ему поставила авторитетная «Индепендент». Не скроем, что были оценки и пониже. А для полноты картины процитируем и самое резкое высказывание, которое опубликовала на своих страницах «Дейли Телеграф». Автор статьи Доминик Кэвиндиш явно не принял вахтанговского «Дядю Ваню». В этом спектакле рецензент увидел «шедевр Чехова 1899 года превратившимся в 2,5-часовое удушающее действо, благодаря тщеславию и диктаторскому подходу режиссера».

Словом, мнения были разными, иногда даже полярными, что, однако, не только не пригасило интереса лондонской публики, а, как показала практика, напротив, лишь усилило его. Зрители буквально ломились на московского «Дядю Ваню». Среди них было замечено немало узнаваемых лиц. К примеру, на вахтанговского «Дядю Ваню» пожаловал «Английский пациент», а точнее — прославленный британский актер Ральф Файнз, а также его коллега Джонатан Прайс — звезда «Пиратов Карибского моря».

Из знаменитых соотечественников был футболист Андрей Аршавин и оказавшийся в Лондоне актер Сергей Шакуров. Генеральный продюсер гастролей Оксана Немчук торжествовала. В прошлом году она организовала первый русский театральный сезон в Вест-Энде, пригласив «Современник», выступления которого прошли с феерическим успехом. На сей раз триумф упрочили вахтанговцы. Так что есть все основания полагать, что в следующем году в Лондоне состоится третий русский театральный сезон. «Я очень на это надеюсь», — поделилась Оксана Немчук. Кстати, ее лондонским партнером является выдающийся британец — сэр Кэмерон Макинтош, владелец семи театров и продюсер популярнейших мюзиклов, в числе которых «Кошки», «Фантом оперы», «Отверженные», «Оливер» и многие другие.

В беседе сэр Кэмерон Макинтош подтвердил свое желание продолжить в Лондоне традицию проведения русских сезонов драматического театра. Сам же он, по его словам, хотел бы установить сотрудничество с коллегами из России, занимающимися производством мюзиклов. «Первые шаги мы сделали в конце прошлого века, — рассказал Макинтош. — Но тогда случился теракт на Дубровке, и контакты прервались. Однако я не теряю надежды наладить их уже в новом тысячелетии», — оптимистично заявил мэтр. Между тем в принадлежащем ему театре «Ноэль Коуард» доигрывал свое последнее гастрольное представление московский «Дядя Ваня». И вот уже звучат финальные аккорды потрясающей музыки Фаустаса Латенаса, артисты выходят на поклон, и на них, словно водопад, обрушивается оглушительная овация.

«Быть дядей Ваней шесть вечеров подряд невероятно трудно», — признался, покидая сцену, исполнитель главной роли Сергей Маковецкий. Но по глазам видно — счастлив. Подобное чувство испытывают все без исключения участники спектакля, среди которых Людмила Максакова, Владимир Симонов, Владимир Вдовиченков, Анна Дубровская, Евгения Крегжде. Общее мнение на ходу хорошо поставленным голосом высказывает Галина Коновалова. Она человек особый. Оставаясь действующей актрисой, уже много лет занимает пост заведующей труппой родного вахтанговского театра, старше которого ровно на пять лет.

После изнурительной шестидневной работы она как будто бы вовсе не устала. Держится молодцом. «Это было чудо, — звонко, по-девичьи восклицает Галина Львовна. — Переплюнули все предыдущие гастроли. Даже не заметили, как прошло время. Не почувствовали утомления и очень благодарны за фантастический прием английскому народу». Понятно, что последняя фраза утонула во всеобщем хохоте. «Я этого ожидал. То, о чем я думал втайне, подтвердилось», — с улыбкой итожит Римас Туминас. И в этом откровении скрытного литовца нет ничего иного, кроме гордости за очередной успех замечательного «Дяди Вани».
Продолжить чтение статьи: Очередной успех замечательного «Дяди Вани» из Вахтанговского театра в Лондоне

Юрий Григорович возродил свой знаменитый балет. Правда, для этого пришлось получать эксклюзивное разрешение от наследников Сергея Прокофьева: они утверждали, что композитор не писал такого балета — только музыку к фильму «Иван Грозный» Сергея Эйзенштейна. Именно поэтому в нынешнем спектакле звучат еще фрагменты «Русской увертюры» и кантаты «Александр Невский» — все в обработке Михаила Чулаки. Жертва, злодей-предатель, царь: «Иван Грозный», поразивший всех 37 лет назад, возвращается на главную сцену. Блокбастер, словно созданный для самой большой балетной труппы мира. Музыка Сергея Прокофьева, постановка Юрия Григоровича. К премьере готовы четыре состава. Все — хороши, но тот же Григорович отмечает самого юного исполнителя партии Курбского — соратника, друга, а потом заклятого врага Ивана Грозного. Это танцовщик Денис Родькин.

«Если вдруг ты не выполнишь правильно все те движения, как поставил Григорович, если блистательно не выполнить первый выход, дальше можно не выходить, не танцевать. Потому, что Курбский должен отличаться от бояр своей эмоциональной наполненностью и силой движения», — говорит он. «Балет начинается сразу с очень высокой ноты, и это идет два с половиной часа. Тебе надо не только держать ее, но и все время укрупнять. Это специфика балетов Григоровича, особенно мужских ролей», — рассказывает премьер Большого театра, народный артист России Николай Цискаридзе.

Дабы наполнить себя нужными эмоциями и стать, как потребовал Григорович, князем, Денис читал переписку Ивана Грозного с Курбским, смотрел фильм Эйзенштейна. Царь — Павел Дмитриченко — пошел дальше: прочел Карамзина, не согласился — не смог бы царствовать пятьдесят лет и 105 дней однозначный злодей. Нашел монетки того, XVI века, когда сидел на престоле его герой. И даже изменил внешность: отпустил бороду, усы, потемнел. «Я вышел из отпуска, пришел в театр с другой внешностью. Даже те, с кем я учился, меня не узнавали», — говорит Дмитриченко.

С солистами работал премьер Большого театра, а ныне преподаватель Борис Акимов. Он танцевал в самом первом, почти сорокалетней давности спектакле. Помнит шквальные аплодисменты и как в Париже узнавали в лицо, оборачивались: «Смотрите — Курбский пошел!» С учениками разговаривает о балете так, что не вдохновиться, не полететь, кажется, невозможно. «Иван Грозный» — русский балет. Мало балетов на тему России. Чрезвычайно интересная личность. Противоречивая, страшная. В то же время понимающая, что такое государь, государство, что такое Россия, в конце концов», — говорит сам хореограф, народный артист СССР Юрий Григорович.

Сценография великого Симона Версаладзе — апсиды, как в церквях, иконописные задники, костюмы, поражающие красотой и необычностью. Костюмы бояр выглядят тяжеленными и дорогущими шубами из парчи и золота — на деле, при ближайшем рассмотрении, это оказывается мешковиной. Очевидно, что Большой театр не зря вел непростые и долгие переговоры с наследниками Прокофьева о возобновлении права на постановку. Билеты проданы — на все шесть премьерных спектаклей.
Продолжить чтение статьи: «Иван Грозный», поразивший всех 37 лет назад, возвращается на главную сцену

В Московском международном Доме музыки 5 ноября Александр Ф. Скляр презентует свой новый альбом «Русское солнце», в котором он исполняет лучшие песни Александра Николаевича Вертинского. «Русский характер, певец и воин, человек-миф, Альфа и Омега», – именно так называет Александр Ф. Скляр великого российского шансонье Александра Николаевича Вертинского. Скляр исполняет песни Вертинского со сцены уже 12 лет, но путь к осознанию творчества мэтра, включающий изучение не только музыки, но и писем, заметок, стихов, всей жизненной истории личности, занял у артиста почти четверть века. «Шаг за шагом я погружался в стихию Вертинского, осваивал его Вселенную, вырабатывал свою собственную интонацию, не похожую ни на самого Мастера, ни на всех его многочисленных интерпретаторов», – рассказывает музыкант.

К 120-летию Вертинского Скляр подготовил музыкальный спектакль «Концерт Сарасате», новым этапом осмысления созданного Александром Николаевичем стал альбом «Русское солнце». «Русское солнце» – полноценная музыкальная «книга» со своим внутренним сюжетом, в состав которой, наряду с 17 песнями Вертинского в исполнении Скляра, вошли также два стихотворения, прочитанные Анастасией Вертинской. Альбом открывает «Желтый ангел» – композиция, впервые услышанная Александром в 20 лет от друга и учителя Евгения Головина.

«Эта песня пронзила меня как удар молнии. Я выучил ее наизусть со слов Жени, я грезил этой песней, я пел ее во всех компаниях», – вспоминает Скляр. Философско-глубинная песня «Дни бегут», иронично-нежные «Доченьки» и «Песенка о моей жене», страстная – «Прощальный ужин», странная и сложная – «Сумасшедший шарманщик» и другие, невидимыми ключами открывающие все новые окна и дверцы мироздания Вертинского, – все эти композиции становятся своеобразными векторами, протягивающимися во времени и пространстве альбома.

«Конечно, собственное исполнение Мастера навсегда останется недосягаемой вершиной, – убежден Скляр, –, но ведь настоящая песня надолго переживает своего создателя. И вот уже новый артист дерзает устремиться вверх, он ведет за собой нового слушателя и по-новому раскрывает знаки и смыслы, сокрытые в этих глубоких, пронзительных песнях, созданных русским гением. Русское Солнце не может погаснуть в нашей душе!»

Концерт Александра Ф. Скляра состоится в Театральном зале Московского международного Дома музыки 5 ноября в 19:00.
Продолжить чтение статьи: Александр Ф. Скляр 5 ноября презентует свой новый альбом «Русское солнце»

Спектакль о любви паровозов. В Студии театрального искусства показали спектакль «Рамона». Он о любви, но не людей, а паровозов. Они встречаются ночью, вдали от посторонних глаз. Долго разговаривают, обнявшись. Назначают место встречи – как обычно, на железнодорожной станции. В спектакле Резо Габриадзе это — территория любви. Но не людей, а локомотивов: Эрмона и Рамоны. От настоящих актеров они мало чем отличаются, говорит режиссер. За пять лет, что существует спектакль, набрались мастерства. Выучили новые мизансцены, измененный текст, примерили другие костюмы. Все, чтобы убедить зрителя – хоть «Рамону» в Москве уже видели, эта постановка – премьера. «Этот спектакль был сделан буквально на улице, а сейчас мы сделали все более продуманно и основательно», — сказал режиссер Резо Габриадзе.

Для Резо Габриадзе сказка о локомотивах, как черно-белая фотография из семейного альбома. Посмотришь, и вспоминаешь не только событие, но и разговоры, даже запахи. В его «Рамоне» паровозы обсуждают, что пахнут углем в мокрую погоду. А клоуны живут в шапито с брезентовой крышей, прохудившейся от старости и пыльной от ароматных опилок. Грусть о том, что, кажется, ушло навсегда передается и самим героям. Рамона плачет о своей счастливой жизни. Клоун вспоминает о былом триумфе. Все борются, хотят изменить судьбу, но не могут. Таков сценарий пьесы «современного Ганса Христиана Андерсона», как критики часто называют Резо Габриадзе.

Сценарист самых пронзительных фильмов Данелия: «Мимино», «Кин-Дза-дза», «Не горюй» Резо Габриадзе еще и великий кукольник. Он объехал со своим театром полсвета, был участником престижных фестивалей в Италии, Германии и Франции. Как и киногерои, его марионетки немного трагичные и сентиментальные. Уже больше тридцати лет Резо Леванович создает их своими руками. На создание каждой куклы уходит не один месяц. Частью костюма может стать все, что угодно: и старые вещи самих кукловодов, и антикварные украшения, и ткань от старой палатки. Финальный этап «оживления» — голос. В «Рамоне» персонажей озвучивают Чулпан Хаматова, Сергей Гармаш, Роман Карцев. Они и делают из марионеток настоящих актеров.

«Кукла, подвешенная на ниточках, более живая, чем живой персонаж. Она живет сама по себе, своей собственной жизнью, я даже не знаю, какой жизнью она живет, когда висит на гвоздике – у нее и там продолжается жизнь», — уверен мультипликатор Юрий Норштейн, Народный артист России. Сентиментальность в спектакле Габриадзе превращается в реквием. Рамона умирает от тоски. Эрмон рвется к любимой вне расписания и погибает. О том, что на сцене не живые люди, а паровозы, к концу спектакля зрители точно забудут, говорит режиссер. Ведь куклы не умеют притворяться, а значит, именно они – самые искренние актеры.
Продолжить чтение статьи: В Москву приехал Тбилисский театр марионеток Резо Габриадзе

По словам Владимира Мединского, российский и зарубежный кинематограф школьники будут изучать в рамках факультатива. В скором времени список 100 лучших фильмов будет одобрен Минобрнауки, а затем направлен в качестве рекомендаций в российские школы. Об этом министр культуры рассказал на фестивале православных СМИ. Кроме того, он уточнил, на какие фильмы будут выделяться средства из госбюджета. Министр культуры РФ Владимир Мединский подтвердил информацию о том, что в школьной программе появится предмет, посвящённый русскому и зарубежному кинематографу. Новая дисциплина будет введена в качестве факультатива. Список 100 лучших фильмов будет одобрен экспертами, затем Министерством науки и образования, и только потом будет отправлен во все школы.

Владимир Мединский поделился своими соображениями по поводу этой инициативы, общаясь с участниками международного фестиваля православных СМИ «Вера и слово»: «Будет составлен список ста отечественных фильмов и ста иностранных фильмов. Я надеюсь, что до конца года этот список, в случае поддержки Министерства науки и образования, будет разослан в школы в качестве рекомендаций».

Затем Владимир Мединский высказался по поводу финансирования отечественных фильмов. По его словам, государство будет финансировать съёмки только тех картин, создание которых оно будет считать целесообразным, а вот на творческие поиски отдельных режиссёров средства выделяться не будут: «Мы считаем, что мы имеем право от имени народа сказать: да, мы хотим фильм о Бородино, мы не хотим фильм о ваших духовных терзаниях». Напомним, что в сентябре на сайте Культура.рф проходило открытое интернет-голосование по фильмам, которые могут быть рекомендованы для просмотра в школах. Любой желающий мог в течение двух недель предложить три отечественных и три зарубежных фильма.
Продолжить чтение статьи: Министр культуры Владимир Мединский рекомендует 100 лучших фильмов для школьной программы

В минувшую субботу, 27 октября, народный артист Николай Караченцов отмечал 68-летие. В банкетном зале, где актер праздновал день рождения, собрались его родные и друзья, однако из звездных коллег никто не пришел. И хотя знаменитых гостей на празднике не было, друзья и близкие не оставили именинника без внимания: поздравить его пришли 150 человек. Организацией праздника в ресторане «Дом актера» занималась его супруга, 63-летняя актриса Людмила Поргина. Николай Караченцов проходил долгую реабилитацию после страшной аварии в которую попал в феврале 2005 года. Ему до сих пор трудно разговаривать из-за повреждения голосовых связок, однако за праздничным столом артист активно участвовал в беседах – пусть и при помощи жестов. Гости, в свою очередь, пели песни из репертуара Караченцова. Людмила Поргина призналась, что беда, которая случилась с ее мужем семь лет назад, не расколола, а, напротив, сплотила их семью.

«Когда случилась эта авария были минуты полного опустошения. Было ощущение, что меня разорвала бомба, и поток холодного воздуха проскакивает сквозь меня, и сердце замерзает. Я прислушивалась: может быть, оно остановилось? Может, я уже умерла? – вспоминает актриса. – Но когда я увидела его в реанимации, я наклонилась и сказала: «Дурака не валяй! Я вернусь и мы будем вместе выкарабкиваться. И мы это осуществили». Приемный сын Николая Караченцова Михаил Большаков отметил, что поклонники поддерживали артиста даже в самые тяжелые моменты. По словам Большакова, он приходил в больницу после работы и зачитывал отцу письма от них.

«Я заходил на папин официальный сайт, где люди писали каждый день по 15, по 20 пожеланий. И папа лежал в реанимации еще без сознания, а я садился и спрашивал: «Ты готов слушать?». И минут 15-20 зачитывал, потому что это были очень теплые и искренние слова. Я хотел, чтобы он это слышал и видел поддержку поклонников и людей, которые его любят», – рассказал он. Сейчас, по словам Людмилы Поргиной, ее супруг чувствует себя хорошо, подводят только ноги – артист немного прихрамывает. Он проходит курс лечения в Москве, а после нового года супруги собираются в Китай – на курс реабилитации.

Актриса рассказала, что дома они с мужем не сидят: не так давно были в цирке имени Никулина, а в скором времени собираются на новый спектакль Инны Чуриковой в «Ленком». Николай Караченцов попал в аварию в ночь на 28 февраля 2005 года. ДТП случилось на обледенелой дороге, на Мичуринском проспекте. Артист спешил с дачи в Москву после того, как узнал о смерти тещи, Надежды Поргиной. В результате Николай Караченцов получил серьезную черепно-мозговую травму, перенес несколько сложных операций и почти месяц пролежал в коме.
Продолжить чтение статьи: Звездные коллеги не посчитали нужным прийти на день рождения Николая Караченцова

В Бетховенском зале Большого театра сегодня вновь зазвучит музыка. Здесь откроется первый после окончания реконструкции ГАБТа концертный сезон. Право начать его предоставлено солистам Симфонического оркестра Большого театра, которые выступят с уникальной программой, способной удовлетворить меломанов всех возрастов и вкусов. Бетховенский зал традиционно считался концертной площадкой для музыкантов. Так было с 1921 года, когда в бывшем Императорском фойе состоялся первый концерт и присутствовавший на нем нарком просвещения Луначарский предложил назвать зал Бетховенским. Здесь выступали разные камерные ансамбли, выдающиеся инструменталисты и певцы, дебютировали многие молодые музыканты.

После реконструкции театра Бетховенский зал поменял прописку, в прямом смысле опустившись под землю, и теперь расположен под Театральной площадью. Он получил современное техническое оснащение и отличную акустику, опробовать которую сегодня и предстоит музыкантам высшего класса — солистам Симфонического оркестра Большого театра. Оркестр ГАБТа всегда славился своими солистами. К примеру, в его составе играли такие знаменитости, как скрипачи Исаак Жук и Игорь Солодуев, виолончелисты Григорий Пятигорский, Святослав Кнушевицкий и Федор Лузанов, арфистки Ксения Эрдели и Вера Дулова, флейтист Виктор Глинский-Сафронов, трубач Тимофей Докшицер.

И сегодня в Симфоническом оркестре Большого немало замечательных музыкантов, которые успешно выступают с сольными и камерными программами в Большом, Малом и Рахманиновском залах Московской консерватории, Камерном зале Московской филармонии, Московском международном доме музыки. Но собственный Бетховенский зал — это во всех отношениях особая площадка. Осваивать ее начали еще в прошлом сезоне, и вот теперь, наконец, открывают для публики, возобновляя практику вечеров камерной музыки. Программа сегодняшнего концерта уникальна прежде всего тем, что ее составляли сами солисты — их никто не ограничивал в выборе. Разноплановая, даже на первый взгляд эклектичная, она как нельзя лучше представляет оркестр Большого театра — коллектив ярких, интересных индивидуальностей.

В их числе — Владимир Скляревский (скрипка), Петр Кондрашин (виолончель), Илья Соколов (альт), Эркин Юсупов (тромбон), Андрей Рудометкин (фагот) и многие другие мастера, которые сегодня и предъявят публике свои таланты. В их исполнении прозвучат абсолютно непохожие друг на друга произведения. Среди их авторов в афише значатся Штор и Вилла-Лобос, Марчелло и Дюпюи, Пьяццолла и Хиндемит, Беллини, Дебюсси и Мурад Кажлаев. Словом, начало концертного сезона в Большом обещает быть незабываемым.
Продолжить чтение статьи: В Бетховенском зале Большого театра открывается концертный сезон

Британская группа «Дип перпл» (Deep Purple) основательно переработала свою нынешнюю концертную программу, сделав на этот раз ставку исключительно на рок-классику. Именно она звучала в воскресенье вечером в стенах московского спорткомплекса «Олимпийский». Выступление легендарного квинтета длительностью 1 час 45 минут, которому сопутствовал традиционный аншлаг, предваряла интродукция, в качестве которой был выбран «Танец рыцарей» из балета Сергея Прокофьева «Ромео и Джульетта». Настроив слушателей на нужный лад, музыканты, вышедшие на сцену под покровом темноты, наэлектризовали атмосферу в зале до предела, «выстрелив» скоростной композицией «Fireball» с одноименного альбома 1971 года. За ней нон-стопом последовал целый ряд хитов тех же лет: «Into the Fire» c одним из самых ярких гитарных риффов в истории рока, «Hard Lovin Man» с запоминающейся «вязкой» партией знаменитого электрооргана «Хэммонд» (обе — 1970 года), а также «Maybe Im a Leo» (1972) и «Strange Kind Of Woman» (1971).

Сразу стало очевидно, что длительный перерыв в гастролях положительно отразился на коллективе, средний возраст участников которого составляет 64 года. Не измотанные постоянными перелетами, они явно находились в хорошей физической форме, а голос Иэна Гиллана заметно посвежел, хотя фирменные высокие ноты и давались ему с трудом. «Невероятно! Фантастика! Большое спасибо!» — восклицал фронтмэн «Дип перпл», когда группа сделала небольшую паузу после ударного начала концерта. С последними аккордами песни «The Battle Rages On» Гиллан сказал: «Нескончаемый бой продолжается», правда, тут же пожелал поклонникам «мира и любви». Вслед за этим он представил публике «единственного и неповторимого Стива Морса», который после этого сыграл инструментальную композицию «Contact Lost», посвященную экипажу погибшего в 2003 году шаттла «Колумбия».

Печально-проникновенная баллада под названием «Wasted Sunsets» (1984) стала редким подарком для собравшихся в «Олимпийском» поклонников «Дип перпл»: ведь группа практически никогда не исполняет этот музыкальный реквием по ушедшей молодости на концертах. Выступление было построено таким образом, чтобы каждый из участников коллектива имел возможность продемонстрировать свое мастерство в индивидуальных номерах. Так, один из лучших рок-ударников мира Иэн Пэйс включил свое умопомрачительное барабанное соло в композицию «The Mule» (1971), а клавишник Дон Эйри блеснул виртуозным исполнением монументальной прелюдии к «Perfect Strangers» (1984), уместив в нее мелодию песни «Я шагаю по Москве», вызвав всеобщий восторг зрителей.

Основная часть программы завершилась исполнением «главного хард-рокового гимна всех времен и народов» — «Smoke on the Water», припев которого пел весь стадион. Когда же эмоции у аудитории в зале, которая требовала «продолжения банкета», достигли точки кипения, музыканты вышли на бис, чтобы сыграть напоследок две вещи, по сути определившие судьбу «Дип перпл» более 40 лет назад. Одной из них стала «Hush», принесшая в 1968 году тогда еще малоизвестной группе первый успех, а второй — «Black Night» (1970), которая обеспечила молодым британцам место в первом эшелоне мирового рока. Обе эти песни вылились в бесконечные импровизации, в которых нашлось место для соло бас- гитариста Роджера Гловера и даже для русской «Калинки».

«Большое спасибо! Вы — фантастическая аудитория, мы вас любим! До свидания», — сказал на прощание Иэн Гиллан. Московское выступление «Дип перпл» стало всего лишь третьим концертом в рамках их нынешнего турне — до этого группа посетила Екатеринбург (24-го октября) и Санкт- Петербург (27-го октября). 30 октября британские рокеры выступят в Краснодаре, после чего продолжат гастроли, но уже за пределами России — 1 ноября легендарный коллектив предстанет перед своими поклонниками в Киеве.
Продолжить чтение статьи: Московское выступление «Дип перпл» стало третьим концертом в рамках их нынешнего турне